この度、parcelでは永井天陽と川谷光平による二人展「The Garden」を開催いたします。

彫刻と写真という異なる表現方法を用いながらも、両者は今回、意図せずしてノスタルジーを感じさせる、どこか懐かしさを帯びたモチーフに着目し、新作を制作しました。いずれも「庭」にまつわるイメージを出発点としており、その視覚的印象は可愛らしさや美しさをまといながらも、そこには現代社会や文化のあり方をめぐる静かなアイロニーが潜んでいます。

本展タイトル「The Garden」は、両作家が共通して用いた庭のモチーフに由来すると同時に、庭という空間が孕む多様な意味層にも着目しています。庭は人の手によって形づくられる人工的な自然でありながら、そこに立つ者の視線や経験によって異なる風景を立ち上がらせる可変的な場でもあります。花や樹木の美しさ、整えられた構造、あるいはそこに潜む影や空白など視線が向かう場所や関心の置き方は人それぞれです。ここで提示される「庭」は、単なる対象ではなく、視覚的経験を媒介にして個々人の記憶や感覚を呼び起こす装置です。本展は、その装置性を通じて、鑑賞者に自らの視線の軌跡を辿らせ、多様な読み解きと想像の余地を生成することを企図しているのです。

永井天陽は、日常に潜む小さな疑いを出発点とし、人々が無意識のうちに抱く感覚や認識を問い直す彫刻作品を制作してきました。外側を覆うアクリル部分は型取りから自ら制作し、その内部に全く異なるモチーフの人形を封じ込める構造を特徴とします。本展では、アメリカ的なガーデニングに用いられるガーデンオブジェをモチーフとして取り入れ、外形に共通性を持たせた新作群を発表。異なるモチーフ同士が響き合い、時に反発し合うことで、個々の作品が新たな関係性や物語を紡ぎ出します。その表現は、可視と不可視、内と外といった二項のあいだにある曖昧な領域を形にしながら、現代における「像」の不確かさを静かに示唆します。

川谷光平は、被写体との近い距離感と鮮やかな色彩感覚を特徴とする写真作品を発表してきました。そのモチーフは日常の延長線上にあり、作家自身が惹かれ、愛着を感じたものが中心です。本展では、名前こそ“アメリカン”でありながら、日本の手芸文化でしか流通していない造花「アメリカンフラワー」に着目しました。この名称と実態のずれにユーモラスかつ批評的な関心を抱いた川谷は、20世紀中盤のアメリカにおける「幸せな家庭像」のイメージや、それに付随する時代感覚と現在との微妙なずれを織り込みながら、新たなシリーズを展開します。極度に高解像度なデジタルイメージを駆使し、肉眼では捉えきれない細部までも“写しすぎる”その手法は、写真の物質性や制度性を浮かび上がらせ、見る者に穏やかな違和を与えます。

日常のちょっとした物事や出来事の裏側には、微かな違和感が見え隠れしています。

私はその違和感を再考し、くるりと表側へ反転させる行為として、彫刻の制作を続けています。

世界を認識する方法や視点に、少々の角度をつけるような存在を見てみたいのです。

ー永井 天陽

ある時、インターネット上で「アメリカンフラワー」と呼ばれるアクリル樹脂で作られたハンドメイドの造花を見つけ、色付けされた半透明の花や葉に惹かれると同時に、その見た目とは結びつきにくい「アメリカン」という名称の響きに興味を持った。

この造花は1970年ごろアメリカから日本に持ち込まれた際に「アメリカンフラワー」と名づけられ手芸ブームの中で広まっていった。当時を観察していくとこの手のことは多く、戦後日本には今日の通俗的なアメリカ像とは異なる、生活の中での理想的なモノの象徴としてのアメリカ像が見えてくる。私は花の静物という伝統的なモチーフを通じて、かつて日本にあった「理想」への眼差しの視覚化を試みた。

ー川谷 光平

American Flowers 08, 2025 Archival pigment print

両者に共通するのは、視覚表現の技法やメディウムに対する意識的な距離の取り方です。それは、20世紀後半以降の美術が試みてきた「見るという行為そのもの」への介入を、現代的な素材感覚とテクノロジーへの鋭敏な感受性によって更新する試みでもあります。本展で扱われる庭のモチーフ（例えば、配置された置物や植物）は、単なる風景の要素ではなく、視線を引き寄せたり逸らしたりしながら意味を生成する「装置」として機能しています。それらは、人工と自然、象徴と日常、意図と偶発のあいだを行き来し、像と物質の境界を揺さぶるきっかけになります。二人の作品は、このモチーフの層を媒介に、「見ること」から「知ること」、そして「信じること」へと移行する認識の回路を顕在化させ、現代における視覚経験に対する確かな異議と新たな提案を提示しているのです。

American Flowers 06, 2025 Archival pigment print

parcel is pleased to present The Garden, a duo exhibition by Solaya Nagai and Kohei Kawatani. 

Though working with different media—sculpture and photography—both artists have, perhaps unintentionally, turned their attention to motifs that evoke a sense of nostalgia and recall an image of “a Japan of the past.” Each has created new works beginning from imagery connected to the idea of the garden. While their visual impressions carry charm and beauty, they also harbor a quiet irony that reflects upon contemporary society and culture.

The title The Garden derives not only from the shared motif of the two artists, but also from the layered meanings inherent in the garden itself. A garden is an artificial nature shaped by human hands, yet it is also a mutable space that produces shifting landscapes depending on the gaze and experience of the viewer. Flowers and trees, carefully designed structures, or the shadows and empty spaces that inhabit them—where attention falls differs from person to person. In this exhibition, the “garden” is not simply a subject but an apparatus that calls forth memory and sensation through visual experience. The works invite the viewer to retrace their own gaze, opening room for multiple readings and imagination.

Solaya Nagai creates sculptural works that begin from subtle doubts in the everyday, questioning unconscious perceptions and assumptions. Her sculptures feature outer shells of cast acrylic, produced by the artist herself, enclosing figurines of entirely different motifs within. For this exhibition, Nagai presents a new series inspired by ornamental garden objects often seen in American-style gardening. Sharing outward forms yet enclosing diverse motifs, these works resonate and at times repel one another, generating new narratives and relationships. In shaping the ambiguous zones between visibility and invisibility, inside and outside, Nagai quietly gestures toward the uncertainties of images in contemporary life.

Kohei Kawatani, known for his close proximity to his subjects and his vivid use of color, has developed a photographic practice centered on motifs drawn from the everyday—things he feels an attachment to or fascination with. In this exhibition, he turns his gaze to the “American Flower,” a craft material made of colored acrylic resin, once introduced from the United States to Japan around the 1970s. Despite its name, it circulated only within Japanese handicraft culture. Kawatani approaches this gap between name and reality with humor and criticality, weaving into his work the dissonance between mid-20th-century American ideals of domestic happiness and the sensibilities of today. Employing ultra-high-resolution digital imaging that captures even details imperceptible to the naked eye, his works foreground the materiality and institutional framework of photography, offering the viewer a gentle sense of estrangement.

Solaya Nagai, metaraction #35 PL-1, 2025
Stuffed animal, Acrylic, 37 x 30 x 9 cm

In the small things and occurrences of everyday life, faint traces of discomfort and unease flicker beneath the surface. Through my practice, I continue to create sculpture as an act of rethinking and flipping those hidden dissonances to the forefront. I want to explore presences that shift our methods of perceiving the world, tilting them ever so slightly at a different angle.

— Solaya Nagai

One day, I came across handmade artificial flowers made of acrylic resin on the internet, known as “American Flowers.” I was drawn to their tinted, translucent petals and leaves, while at the same time intrigued by the name “American,” which seemed oddly disconnected from their appearance.

When these artificial flowers were first introduced to Japan from the United States around 1970, they were named “American Flowers” and spread widely amidst the handicraft boom. Looking back at that period, one finds many such examples: in postwar Japan, there emerged an image of America that was distinct from today’s popularized clichés—an image of America as an ideal, embodied through everyday objects.

Through the traditional motif of the floral still life, I attempt to visualize this once-present gaze toward “the ideal” that shaped Japan’s imagination of America.

— Kohei Kawatani

What both artists share is a deliberate distancing from the techniques and mediums of visual expression. This approach resonates with the interventions into the very act of “seeing” that art since the latter half of the 20th century has pursued, while updating them through a contemporary sensitivity to materials and technology. In this exhibition, the motif of the garden (for instance, arranged ornaments or plants) functions not merely as elements of landscape, but as devices that generate meaning by drawing in or diverting the viewer’s gaze. Moving between the artificial and the natural, the symbolic and the everyday, intention and chance, these motifs destabilize the boundary between image and material. Through this layering, the works of the two artists reveal circuits of perception that shift from “seeing” to “knowing,” and further toward “believing,” offering both a clear dissent and a new proposition toward contemporary visual experience.