かつてキロバイトは大きかった。それがメガになり、ギガになり、今やテラでさえ「大きい」かどうか実感を持って語れる人は少ない。単位は更新され続けているのに、「巨大さ」の感覚だけが静かに失われていく。gigaという言葉はもはや大きさを意味せず、ただの日常単位として消費されている。

コピーと増殖が自動化されたこの時代に、美やかたちをめぐる感覚にも同じ麻痺が起きている——彫刻家・森靖の新作個展「giga」は、そのような問いから出発しています。

森靖は1983年愛知県生まれ。2009年に東京藝術大学大学院彫刻専攻を修了後、2010年に初個展「Can’t help falling in love」を開催。2011年には横浜トリエンナーレに参加し、国内外で注目を集めました。2020年にはPARCELでの初個展「Ba de ya」を開催し、高さ4Mに迫るエルビスプレスリーを模した大型彫刻を発表、アメリカのポップアイコンから中世古典彫刻まで、非常に長い時系列にわたるモチーフを縦横無尽に行き来しながら、「美」の根源的な意味と、記号的な思い込みに対して問いかける作品を発表し続けてきました。2023年にはPARCELでの2度目の個展「Tsister」を開催し、そこで発表した作品がオーストラリアのNGV（ビクトリア国立美術館）のトリエンナーレに出品され、同館に収蔵されるなど国際的な評価も高まっています。

森の制作の特徴のひとつは、即興性と物質への向き合い方にあります。西洋彫刻が身体を表現の「対象」として外側から取り出そうとし、東洋の仏像彫刻が身体を霊的な「依り代」として内側から立ち上げようとしてきたとすれば、森にとって身体はそのどちらでもなく、自然に残された形状や特徴に対して呼応することで初めて彫られ、現れるものです。素材の持つ形体や質量を出発点とし、予定調和を段階的にねじり転換させながら最終形へと向かうプロセスは、作品ごとに固有のかたちを生み出してきました。またこれまで手のひらに乗るサイズから4メートルに迫る大型作品まで、スケールそのものを問い続けてきました。森はこう語ります。「あらゆる時代と人間との関係が”スケール”となって表れてきている。”スケール”は人の感覚と現代の世界を繋ぐ一つの要素である。」2024年には長野・碌山美術館での個展において「巨大化宣言」を打ち立て、現在5メートルを超える作品の制作にも着手しています。

©Osamu Mori, in courtesy of PARCEL, photo by Kohei Omachi

本展では、これまでで最大となるこの作品を発表します。樹齢100年を超える木材を20本以上使用し、お台場に鎮座する自由の女神像に近い寸法で制作された新作は「巨大化宣言」を起点として展開されたシリーズの集大成です。

公式、非公式に世界に複数存在する（米国型の）自由の女神は、冠・松明・足枷・宣言書によって「自由」を体現していますが、女神本人には名もなく、その顔は無表情のまま佇んでいます。コスチュームと記号を模倣すれば誰でも似せられるその像は、オリジナルとコピーの境界が溶けた時代における美の混乱を象徴しているとも言えます。そのあり方は、「巨大化宣言」を軸に造形の本質を問い続ける森靖の作風と、根底でつながっています。

木彫に加え、奇形樹・鍾乳石・鉛による金属作品など、素材それぞれが持つ「コピーできない時間の堆積」を主題とした新作群も同時に展示されます。

画一的な美が存在せず、あらゆるかたちが無限に増殖するこの時代において、森は「美とは何か、誰のためのものか、どのようにして示すのか」を問い直します。

Kilobytes were once considered large. Then came megabytes, gigabytes, and now, few people can truly grasp whether even a terabyte is “large” with any visceral sense of scale. While the units of measurement continue to be updated, the tangible sensation of “immensity” is quietly slipping away. The word “giga” no longer signifies vastness; it is merely consumed as an everyday metric.

In this era of automated replication and endless multiplication, a similar paralysis afflicts our sense of beauty and form. It is from this very inquiry that sculptor Osamu Mori’s new solo exhibition, “giga”, departs.

Osamu Mori was born in Aichi Prefecture in 1983. After completing his MFA in Sculpture at Tokyo University of the Arts in 2009, he held his first solo exhibition, Can’t help falling in love, in 2010. He garnered both domestic and international attention following his participation in the Yokohama Triennale in 2011. In 2020, he held his first solo exhibition at PARCEL, Ba de ya, unveiling a large-scale sculpture modeled after Elvis Presley that approached four meters in height. Freely traversing a vast chronological span of motifs—from American pop icons to classical medieval sculpture—he has consistently presented works that interrogate the fundamental meaning of “beauty” and our semiotic preconceptions.　In 2023, he held his second solo exhibition at PARCEL, Tsister. Works unveiled at this exhibition were subsequently presented at the NGV Triennial (National Gallery of Victoria, Australia) and acquired for the museum’s permanent collection, further elevating his international acclaim.

One of the defining characteristics of Mori’s practice lies in his improvisation and his profound engagement with materiality. If Western sculpture attempts to extract the body from the outside as an “object” of expression, and Eastern Buddhist sculpture attempts to raise the body from the inside as a spiritual medium (yorishiro), for Mori, the body is neither. It is something that is carved and revealed only in direct resonance with the natural shapes and characteristics inherent in the material. Starting from the medium’s existing form and mass, his process gradually twists and subverts pre-established harmonies as it moves toward the final piece, yielding entirely unique forms for every work.

Furthermore, Mori has continually questioned the nature of scale itself, creating pieces ranging from palm-sized objects to massive works approaching four meters in height. As the artist states: “The relationship between humanity and every era manifests as ‘scale.’ ‘Scale’ is an element that connects human sensation with the contemporary world.” In 2024, he issued his “Gigantification Manifesto” (Kyodaika Sengen) during his solo exhibition at the Rokuzan Art Museum in Nagano, and he is currently undertaking the production of works exceeding five meters.

This exhibition will unveil his largest work to date. Utilizing more than twenty pieces of timber from trees over 100 years old, this new sculpture—crafted to dimensions approaching those of the Statue of Liberty situated in Odaiba—serves as the culmination of the series initiated by his manifesto.

The (American-style) Statue of Liberty, which exists in multiple official and unofficial iterations worldwide, embodies “freedom” through its crown, torch, shackles, and tablet. Yet, the goddess herself remains nameless, standing with a stoic, expressionless face. This statue—which anyone can replicate simply by imitating its costume and symbols—can be seen as a symbol for the confusion of beauty in an age where the boundaries between original and copy have dissolved. This state of being connects fundamentally with Mori’s practice, which continues to question the essence of form through the lens of his “Gigantification Manifesto.”

In addition to the monumental wood carving, the exhibition will concurrently feature new works exploring the theme of the “uncopyable accumulation of time.” These pieces utilize materials carrying their own distinct histories, including anomalous wood, stalactites, and lead-based metalworks.

In an era where uniform beauty no longer exists and all forms endlessly multiply, Mori re-interrogates the core of his medium: “What is beauty, who is it for, and how is it demonstrated?”