この度、parcelでは岡田 舜、安部 悠介による二人展「Echo from Nowhere」を開催いたします。

岡田の発案で安部との二人展へと発展しました。旧知の仲であり、お互いの作品とパーソナリティを誰よりも熟知している二人による新展開をparcelにて発表いたします。

岡田 舜は、1980年代のファミコン画面をモチーフにしつつ、それを単なるノスタルジーにとどめず、バグ（プログラムのエラー）によるデフォルメを取り入れた独自の表現を追求しています。岡田にとってのゲームは日常でもあり、ある種の救いでもありました。本人とファミコンとの出会いは至ってシンプルであり、ソフトが他よりも安価で岡田でも購入できたこと、その中でも特にRPGは時間が潰せるから都合がよいという理由からでした。大事なのはレベル上げ等の反復作業であり、ストーリーそのものはあまり重要ではなかった、と彼は振り返ります。当時のバグは筐体にセットされたカセットを通してスクリーンに映し出された画面が何かしらのフィジカルな外的要因（誤って蹴るなど）によって衝撃が加えられ、引き起こされます。淡々とRPGをこなしているような日常の中でそれはイレギュラーなことです。データが消えてしまうなど、時には忘れられない出来事を暗示するものだったりはしますが、学校の授業で描いた細密画に一定の手応えを感じながら制作中に思考から解放され反復で没頭できることが心地よかったと作家は語ります。現在岡田はバグ画面を生成するプログラムによって参照画像を作っているが、フィジカルな制作おいては過程で起きる筆のズレやミス、色の塗り間違えのような自身の身体から繰り出される些細な「バグ」を期待しており、またそれを享受しつつ、必要な変更を加えながら最終的な作品に活かしています。

安部の絵画には繰り返し、昆虫、魚（もしくは釣り）、ゲーム、モンスターのようなキャラクターが現れます。これも彼自身の経験や身の回りにあったものや、サブカルチャー、絵画史への興味からくるモチーフです。近年ではその表現の抽象化が進み、これらの要素がデフォルメされた状態で画面を埋め尽くします。さらには木片、プラスチック板など多数の支持体が複雑に絡み合い、半立体ともとれる作品を作り上げています。絵画表現や美術史への批評的なスタンスも読み取れる安部の作品は絵画コンテクストへの挑戦と脱却 / 接続の反復のように感じられる。今回出展される新作の中心は大型キャンバスが数点あり、そこには安部がこれまで描いてきた要素が平面上で再構成されています。具象的なモチーフから出発し、纏っていたコンテクストを脱ぎ去りながらそれを抽象的にデフォルメしつつ平面上に配置され、具象と抽象の境界線で時間を止められた「風景」が眼前に広がります。

岡田と安部の作品は、ノスタルジックなサブカルチャーや現代社会の諸問題が見え隠れするが、彼らの制作の核心には、再構築と反復があります。岡田は筆致の、安部はメディウムの往復と反復、再構築が見られますが、そのアウトプットは大きく違います。その中でも共通するのは彼らが過ごしてきた景色を描いていること、思考や不必要なコンテクストからの解放が重要な要素の一つであることになります。

今回を含めて2回目の岡田 / 安部の二人展になりますが、それぞれが切り開く新境地をぜひご高覧くださいませ。

「絵を描く理由は、絵を描きたいという衝動がわいてくるから、としか言えない。
例えば、自分の絵の前を、誰もが見向きもせず通り過ぎたとしても、自分で自分の絵に目をやって、「な、そういうことだよな」とうなずいて納得できるようなことを大事にしたい。

絵を描くことを通して、私は私のことを、少しずつ知っていったような気がしている。」

– 安部悠介

「2021年の展覧会から約3年ぶりの2人展。

私は、われわれは、あれからどれだけ先に進めたでしょうか。もしくは、深く潜れているでしょうか。また、何かに近づけているでしょうか。

キャンバスにくくられた四角い枠組みと、絵具という生々しく現実的な、モノに、向き合えているでしょうか。

バグのてざわりは私をまだ飽きさせず、キャンバスの前に体を縛り付けています。

ここに一つの観測点として、安部悠介と再び二人展を開催します。

二つの絵が同じ空間で向き合うことで、何かの輪郭がそこに観測できれば、とても嬉しく思います。」

-岡田 舜

We are pleased to announce the two-person exhibition “Echo from Nowhere” featuring Shun Okada and Yusuke Abe at parcel.

This exhibition, initially conceived by Okada, has developed into a collaborative showcase with Abe. Both artists, who are long-time acquaintances and deeply familiar with each other’s work and personalities, are presenting a new series of works at parcel.

Shun Okada explores a unique expression inspired by 1980s Famicom screens, incorporating the deformities caused by program errors (bugs) beyond mere nostalgia. For Okada, games were both a daily activity and a form of salvation. His introduction to Famicom was straightforward: the software was affordable even for a child, and RPGs, in particular, were convenient for passing the time. Okada recalls that the repetitive tasks such as level grinding were crucial, while the storylines themselves were less memorable. These bugs (glitches) occurred when physical impacts on the cartridge, such as accidentally kicking the console, disrupted the screen. These irregularities stood out in his otherwise routine RPG experiences, occasionally marking unforgettable moments, such as data loss. The artist mentions that the meditative, repetitive nature of these tasks, in contrast to his detailed drawings at school during art classes, was something he felt comfortable with, leading to the motifs he uses today. Currently, Okada generates reference images using a program that creates screen glitches. However, in his physical artwork, Okada intentionally embraces minor “bugs” that emerge from his own body, such as a brush slip, a mistake, or a color error. Okada not only accepts these imperfections but also incorporates them, making necessary adjustments to enhance the final piece.

Yusuke Abe’s paintings frequently feature insects, fish (or fishing), games, and monster-like characters, motifs drawn from his own experiences, surroundings, subculture, and interest in art history. Recently, his work has become more abstract, filling the canvas with deformed elements of these motifs. He also creates semi-three-dimensional works with numerous supports like wood pieces and plastic boards intricately intertwined. Abe’s works reflect a critical stance towards painting and art history, challenging and connecting with the context of painting through repetition. His new works in this exhibition include several large canvases that recompose the elements he has depicted so far. Starting from concrete motifs, stripping away their context, and abstractly deforming them on the flat surface, he creates “landscapes” that freeze the boundary between the concrete and the abstract in time.

While Okada and Abe’s works hint at nostalgic subcultures and contemporary social issues, their core lies in reconstruction and repetition. Okada’s iterative brushstrokes and Abe’s repeated use of mediums and reconstruction yield significantly different outputs. Nonetheless, they share the depiction of the landscapes they have lived through, with the release from thoughts and unnecessary context being a key element.

This marks the second joint exhibition of Okada and Abe. We warmly invite you to come and appreciate the new frontiers each artist has explored.

“The reason I paint is simply because I feel an overwhelming urge to do so. Even if everyone were to walk past my paintings without a second glance, I want to value the moments when I can look at my own work, nod, and think, ‘Yes, that’s it.’

Through painting, I feel like I’ve gradually come to understand myself a little more.”

-Yusuke Abe

“It’s been about three years since our last exhibition in 2021, and now we’re back with another two-person show.

I can’t help but wonder—how much have we moved forward since then? Or maybe, how much deeper have we gone? Are we getting closer to something?

Have we really been facing those square frames on the canvas and the raw, realness of paint?

I’m still captivated by the feel of screen bugs (glitches) under my hands, and it keeps me coming back to the canvas.

So here we are again, putting on another show together as a way of checking in.

I’d be thrilled if, by bringing our two paintings together in the same space, we can glimpse some new shapes or ideas taking form.”

-Shun Okada